Un point de vue de Pavillon 54
Vous avez vu ce qui s’est passé à l’US Open le mois dernier ? Pendant le match du premier tour de Naomi Osaka, le jeu a carrément été interrompu en plein échange : un groupe d’influenceurs installés dans une loge faisait tellement de bruit, et brillait tellement sous ses ring lights, que l’arbitre de chaise a dû s’arrêter pour leur demander de s’asseoir. Et ce n’était pas un incident isolé. Cette année, l’USTA a distribué près de 100 accréditations à des influenceurs, presque le double de 2025. À la fin du tournoi, des joueuses comme Jessica Pegula disaient publiquement que trop, c’est trop. Wimbledon en a pris note et a décidé d’interdire les ring lights à partir de l’année prochaine.
En regardant tout cela, nous n’avons pas pu nous empêcher de penser : c’est un débat que nous connaissons bien, simplement vêtu de blanc tennis plutôt que baigné d’éclairage de galerie.
Ces dernières années, les foires d’art et les grandes galeries ont grand ouvert leurs portes aux créateurs de contenu, aux influenceurs mode, aux blogueurs lifestyle, bref, à quiconque a une communauté, dans l’espoir qu’une partie de ce public reste et commence à s’intéresser à l’art. Et à bien des égards, ça a marché. Mais si vous êtes allé à un vernissage récemment et que vous vous êtes retrouvé à attendre derrière quelqu’un qui tournait lentement sur lui-même pour montrer sa tenue devant un tableau, vous avez sans doute ressenti la même friction que celle dont parlent les fans de tennis : à partir de quand le fait d’accueillir du monde finit-il par étouffer ce que l’on voulait justement leur faire découvrir ?
Deux choses peuvent être vraies à la fois
Soyons honnêtes : les réseaux sociaux ont réellement ouvert l’art à des personnes qui ne seraient jamais entrées d’elles-mêmes dans une galerie au cube blanc, et c’est une vraie bonne chose. Un artiste qui a passé dix ans à exposer dans de petits espaces devant une poignée de visiteurs peut désormais voir une seule photo toucher plus de monde en une journée qu’il n’en aurait touché en des années. Personne de sérieux dans ce milieu ne souhaite revenir à un monde où l’art ne parle qu’à ceux qui sont déjà dans la salle.
Mais quelque chose change vraiment lorsque l’influenceur devient le personnage principal et que l’œuvre devient le décor. Nous avons tous déjà vu quelqu’un poser devant une immense toile, la tenue parfaitement assortie aux couleurs du tableau, plus préoccupé par l’angle de son menton que par ce qui est réellement accroché au mur. L’œuvre elle-même, les années qu’elle a demandées, les idées qui la portent, ce que l’artiste cherchait vraiment à dire, tout cela se retrouve aplati en simple papier peint. Et dans un univers qui repose sur la provenance, le récit et la nuance, cet aplatissement n’a rien d’anodin.
Pourquoi c’est encore plus sensible pour l’art africain et de la diaspora
Pour nous, ce n’est pas un débat abstrait. Pour les artistes africains et de la diaspora, une grande partie de ce qui est exposé aujourd’hui porte un poids réel : l’identité, la migration, la mémoire, des histoires qu’il a fallu des générations pour faire simplement remarquer par les grandes institutions. Ce ne sont pas seulement des images frappantes. C’est souvent le cœur même de l’œuvre.
Alors quand une pièce qui aborde des sujets vraiment lourds, comme le déplacement, l’histoire coloniale ou le deuil, se retrouve réduite à un joli fond pour un clip de 15 secondes sur un son à la mode, quelque chose de réel se perd. Pas parce que les gens prennent des photos, mais parce que la photo devient toute la rencontre avec l’œuvre, au lieu d’en être le point de départ.
Alors, quelle est la vraie solution ?
Franchement, ce n’est ni d’interdire les téléphones, ni de revenir à une culture de galerie feutrée et réservée à quelques-uns. Personne ne veut ça, et ça ne fonctionnerait pas de toute façon. Les plateformes numériques sont réellement le moyen par lequel beaucoup de gens découvrent aujourd’hui l’art africain et de la diaspora, Pavillon 54 compris.
La différence tient à la manière dont on occupe l’espace. Les créateurs qui s’y prennent bien ne se contentent pas de se planter devant un tableau pour poser. Ils parlent vraiment de ce qu’ils regardent : qui est l’artiste, de quoi parle l’œuvre, pourquoi elle compte. C’est aussi du contenu, et c’est celui qui fait réellement grandir le public d’un artiste, au lieu de simplement emprunter son mur comme décor. À l’inverse, un minimum de courtoisie va très loin. De la même manière qu’un public de tennis sait faire silence avant un service, les amateurs d’art méritent un moment pour vraiment regarder une œuvre, sans la ring light de quelqu’un dans le champ ni un shooting de cinq minutes qui bloque la vue.
Notre position
Nous ne sommes pas à cheval sur les téléphones dans les galeries. Nous publions, nous aussi. Ce qui compte pour nous, c’est l’ordre des choses : d’abord regarder, ensuite partager. Pas l’inverse. Lisez le cartel. Posez une question s’il y a quelqu’un à qui la poser. Laissez l’œuvre vous toucher avant de décider comment la cadrer.
Le mieux qu’un influenceur, ou n’importe lequel d’entre nous, puisse faire aujourd’hui pour l’art africain et de la diaspora, ce n’est pas de devenir viral devant une œuvre. C’est de s’intéresser vraiment à ce qu’il regarde, et de laisser cela transparaître dans ce qu’il publie.
Vous allez à une foire d’art ou à un vernissage cette saison ? Dites-nous ce qui pourrait être fait pour freiner ce phénomène. Et prenez la photo, bien sûr : prenez simplement une minute avec l’œuvre d’abord.
