Des bronzes d’Igbo-Ukwu au FESTAC ’77, l’art africain et diasporique façonne le travail des créateurs. Mais emprunter à l’art et travailler avec l’art, ce n’est pas la même chose.
NOVEMBRE 2026 • LAGOS • COPENHAGUE • LONDRES • NEW YORK
Gardes du Bornou lors du Grand Durbar de Kaduna, l’un des événements du FESTAC ’77. Pendant le festival, le vêtement lui-même était une forme d’art.
Photo : Helinä Rautavaara, 1977. Musée Helinä Rautavaara, via Wikimedia Commons, CC BY 2.0.
La mode a toujours puisé dans l’art. Une peinture devient un imprimé ; une sculpture inspire une silhouette. Ce qui est plus intéressant, c’est lorsqu’un créateur va plus loin : il étudie la manière dont une œuvre a été faite et ce qu’elle signifiait, puis la réinterprète à sa façon à travers le vêtement.
Certains des exemples récents les plus forts viennent de créateurs africains et de la diaspora, dans des collections présentées en 2026 pour l’automne-hiver 2026 et le printemps-été 2027. Leurs sources vont de bronzes anciens à un festival historique de Lagos, en passant par un peintre caribéen qui a fait entrer la spiritualité yoruba dans l’art moderne.
Il est utile de distinguer trois notions :
- Collaboration : le créateur travaille avec l’artiste, ou avec sa succession, et les crédite.
- Référence : le créateur s’inspire d’une œuvre, d’une tradition ou d’un moment d’histoire, sans qu’aucun artiste soit impliqué.
- Influence : le créateur emprunte une manière de penser ou de faire, et non une image précise.
Les trois peuvent donner de très belles créations. La différence compte dès qu’il s’agit de savoir qui est crédité.
LAGOS / RÉFÉRENCE
Weiz Dhurm Franklyn : The Remembering (Ncheta), printemps-été 2027
Abelia Anaba Franklyn a construit cette collection autour des bronzes d’Igbo-Ukwu, parmi les plus anciens bronzes connus d’Afrique de l’Ouest, réalisés vers le IXe siècle dans l’actuel État d’Anambra.
Plutôt que d’imprimer les bronzes sur le tissu, elle a fait du bronze une partie du vêtement : soutiens-gorge et pièces de taille sculptés à la main, bustiers aux allures d’armure, ornés de petites formes moulées inspirées d’Igbo-Ukwu. À l’Alliance française de Lagos, les mannequins restaient immobiles, comme des sculptures dans une galerie.
Il s’agit d’une référence culturelle, et non d’une collaboration avec un artiste. Sa force tient à l’attention avec laquelle une créatrice nigériane a étudié une tradition artistique nigériane pour en faire quelque chose de nouveau.
Vase cérémoniel en bronze d’Igbo-Ukwu, IXe siècle, Musée national du Nigeria, Lagos : la tradition à l’origine de la collection printemps-été 2027 de Weiz Dhurm Franklyn.
Photo : Ochiwar, via Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0.
LAGOS ET COPENHAGUE / INFLUENCE
IAMISIGO : Sacred Ecologies, printemps-été 2027
Avec Sacred Ecologies, Bubu Ogisi s’est intéressée au lien entre le corps et la terre, et aux savoir-faire artisanaux transmis à travers l’Afrique. Un ensemble bikini associait du mohair crocheté venu d’Afrique du Sud et des perles de verre recyclé fabriquées au Kenya, le tout assemblé au Nigeria.
Présentée à la Copenhagen Fashion Week en août, puis à l’Aime Gallery pendant la Lagos Fashion Week, la collection était montrée par des mannequins debout parmi les invités. Elle ne copie aucune œuvre. La pensée artistique est inscrite dans la fabrication elle-même.
LONDRES / RÉFÉRENCE
Ahluwalia : Revel, printemps-été 2027
Priya Ahluwalia, créatrice britannique d’origine nigériane et indienne, s’est en partie inspirée du FESTAC ’77, le deuxième Festival mondial des arts et de la culture négro-africains, organisé à Lagos en 1977. Les formes du festival ont nourri ses imprimés, sa maille et ses broderies, tout comme des photographies de membres du Black Panther Party, en manifestation et chez eux. « J’ai commencé à me demander : qui sont ces gens quand ils ne militent pas ? » a-t-elle confié.
C’est une référence fondée sur les archives : un moment de l’histoire culturelle africaine, transporté dans le présent.
Le Théâtre national d’Iganmu, à Lagos, construit pour le FESTAC ’77 et resté le monument le plus emblématique du festival.
Photo : Ei’eke, via Wikimedia Commons, CC BY 4.0.
NEW YORK / COLLABORATION
Diotima : automne-hiver 2026, avec la succession Wifredo Lam
Rachel Scott, la créatrice d’origine jamaïcaine à la tête de Diotima, a travaillé directement avec la succession du peintre cubain Wifredo Lam (1902–1982), dont l’œuvre mêlait art moderne et croyances afro-cubaines enracinées dans la tradition yoruba.
Elle a choisi quatre tableaux. Parmi eux figurent Omi Obini (1943), dont la figure centrale serait Oshún, déesse yoruba de l’amour et des eaux douces, et des œuvres de la série Femme-Cheval. Sur huit silhouettes, une Femme-Cheval de 1948 a été recréée en organza superposé et imprimée sur une jupe en laine et soie, tandis qu’Omi Obini est devenue une veste en jacquard pour le final. La famille de Lam est venue de Paris pour assister au défilé.
De tous les exemples présentés ici, c’est la collaboration la plus clairement et pleinement créditée. La succession a été associée au projet, et c’est le sens des tableaux, et pas seulement leur aspect, qui a façonné les vêtements.
UNE CONVERSATION PLUS LARGE
L’art et la mode au-delà de notre sujet
La même démarche s’étend bien au-delà de l’Afrique et de la diaspora. Pour le printemps-été 2027, Burberry a travaillé avec l’artiste textile britannique Celia Birtwell, et MISENITHE a fait appel au peintre Nicolò Guarraci et au céramiste Leonardo Pedergnani. Pour l’automne-hiver 2026, Akris a collaboré avec l’artiste textile colombienne Olga de Amaral, traduisant ses œuvres tissées en textures plutôt qu’en imprimés.
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La relation entre l’art et la mode ne tient pas seulement à ce qu’un créateur voit, mais à ce qu’il choisit de transmettre. Parfois, c’est une image. Parfois, c’est une matière, un souvenir ou une manière de faire. La différence réside dans la profondeur avec laquelle cette référence est comprise, dans le soin avec lequel elle est traduite, et dans la juste reconnaissance des artistes et des histoires qui la portent.
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