"Je pense qu'il est également difficile de voir les suspects inhabituels. Et bien sûr, dans mon cas, je dis inhabituel, parce que vous savez, je suis un galeriste pour la plupart des gens et je suis un conservateur pour la plupart des gens".
Ebilah commence par un clin d'œil à l'importance de l'accent mis par Pavillon54 sur les collectionneurs.
"Mais il y a aussi un côté de moi que je ne partage pas vraiment et que les artistes connaissent mieux parce que la collection passe vraiment par l'interaction avec eux"
Collectionneur avide, Ugoma Ebilah est l'un des suspects inhabituels de la scène artistique en plein essor de Lagos, au Nigeria. Professionnelle de la finance d'entreprise devenue entrepreneuse créative, Ebilah est connue pour ses efforts de renforcement de la communauté et son goût dynamique. Elle est la directrice fondatrice et la conservatrice en chef de Bloom Art, une galerie et un salon d'art privé situés au cœur de Victoria Island. Elle a supervisé le rapatriement d'importantes pièces d'art moderniste nigérian et a conclu des transactions privées sur le marché secondaire, plaçant ainsi des œuvres d'art de grande valeur dans des collections estimées. Son expertise du marché de l'art et sa capacité à combler le fossé entre l'art et la finance lui ont valu d'être reconnue et d'être une consultante recherchée.
Ebilah a fait preuve d'une grande intention et d'une grande curiosité dans la constitution de sa collection. Certaines des œuvres de la collection, qui est conservée au domicile d'Ebilah, sont issues de différentes générations. Ablade Glover, Muraina Oyelami, Lemi Ghariokwu, Victor Ehikhamenor, Angela Isiuwe, Rom Isichei, Olu Ajayi, Tam Fiofori, Marcia Kure, Uchay Joel Chima, Gbenga Offo et Tega Akpokona sont quelques-uns des artistes modernes et contemporains dont les belles œuvres ornent les pièces d'Ebilah.
En partageant l'histoire de sa collection en tant que galeriste et conservatrice, elle a décrit en détail son amour et sa passion pour l'art, explorant la nature spirituelle et esthétique de l'art. Elle a également expliqué comment les collectionneurs, en tant que faiseurs de goût, doivent joindre l'acte à la parole en investissant non seulement dans l'art africain, mais aussi dans le parcours des artistes.
Dans cette série, les collectionneurs sont invités à ouvrir leurs collections d'art aux lecteurs du Pavillon 54.
Quelle a été votre première expérience de l'art ?
Les objets de design ont été ma première interaction avec la beauté. Lorsque nous étions enfants, nous n'avions pas d'œuvres d'art à la maison, mais nous avions des objets de design. Mon père est ingénieur et il est très soucieux de l'esthétique et de l'espace. Nous avions l'un de ces salons dans lesquels nous n'avions pas le droit d'entrer lorsque nous étions enfants. Chaque fois que j'entrais dans le salon, j'observais les choses qui s'y trouvaient un peu plus fort : les beaux meubles en peluche et en velours, ce bar qu'il avait conçu lui-même, et puis, bien sûr, la pièce de résistance (une lampe Arco) qui n'est entrée dans ma mémoire que plus tard.
Ma sœur aînée, avec qui je vivais à Londres au début des années 2000, était très touchée par la beauté. Dessinatrice industrielle, ancienne étudiante en architecture et créatrice de mode elle-même, elle avait de la beauté chez elle et m'encourageait à rechercher des objets qui font appel aux sensibilités de la mode, du design et de l'art. Elle m'a encouragée à visiter des galeries d'art pendant que je passais mon baccalauréat, alors que je vivais avec elle à Londres en tant que pupille.
Londres m'a également ouvert les yeux sur l'art, car il y avait tant de choses à voir, comme les musées. Je pouvais faire un saut dans les galeries et les centres d'art pour voir et ressentir la beauté. Je dirais qu'il s'agit là des prémices de ce qui allait devenir l'obsession de toute une vie.
La maison d'Ebilah à Lagos, au Nigeria.
Qu'est-ce qui vous a incité à commencer votre collection et comment avez-vous décidé de le faire ?
Je pense que l'idée maîtresse est de faire partie du système qui soutient les artistes. J'ai d'abord été exposant, mais lorsque l'on découvre que l'on vend et présente des œuvres dans le cadre d'expositions, on est inévitablement amené à interagir avec les artistes. Dans mon travail, il arrive que l'on ait un lien très fort avec un artiste en particulier, et que l'on identifie dans ce lien la place que l'on peut occuper dans l'ordre des choses. Il s'agit de contribuer au maintien de l'art, de l'artiste ou de son parcours. Cela vient surtout du fait que l'on se sent responsable et que l'on ressent un besoin très fort de faire partie des choses qui soutiennent les artistes. Il s'agit donc de savoir quel rôle je peux jouer ici.
Dans une certaine mesure, en tant que conservateur et galeriste, il s'agit de raconter l'histoire. Dans d'autres cas, il s'agit de financer en achetant. Une fois que vous avez coché les cases de la connexion et de l'amour, si vous en avez les moyens, vous devez compléter le tout en joignant le geste à la parole, en acquérant ces œuvres et en en étant le dépositaire. Vous collectionnez l'art et l'artiste. C'est ainsi que j'ai collectionné au fil des ans. Dans la plupart des cas, j'ai collectionné l'artiste en premier.
En fait, dans la plupart des cas, c'est l'artiste qui a été privilégié.
Comment décririez-vous votre collection aujourd'hui, par rapport à vos débuts ?
Elle est très polyvalente. Lors d'une interview il y a quelques années, on m'a demandé : "Collectionnez-vous de manière large ou profonde ?" Collectionner en profondeur implique que l'on s'intéresse à certains artistes et que l'on va jusqu'au bout avec eux. Ou bien vous collectionnez large, ce qui est une approche beaucoup plus variée, multiforme et multiartiste, et je dirais que je collectionne large. Mon parcours typique pour collectionner une œuvre d'art commence par des enquêtes et des recherches sur les artistes et le corpus d'œuvres que je souhaite sélectionner. Pendant que je suis dans cet espace, j'apprends à connaître chaque œuvre à travers les yeux de l'artiste, et je me forge mon opinion sur l'œuvre. Lorsque j'en arrive au stade de l'exposition, je regarde l'œuvre en tant que spectateur, en faisant mes déductions et en déterminant ce que j'aime.
Les collectionneurs ont des opinions très indépendantes. Je peux dire que je pense qu'une œuvre est ma préférée, mais ce n'est pas forcément votre préférée. Cela n'enlève rien à sa validité et ne change rien au fait que mon œuvre préférée a été rejetée. C'est comme ça. Il y a tellement d'espace dans l'art, et c'est une belle chose. Il y a tellement de place pour les goûts et les désirs individuels, et tout le monde peut être heureux.
“Kudi in the garden series” de Soji Adesina
Quelle est la première œuvre d'art que vous avez achetée et qu'est-ce qui vous a attiré vers elle ?
Gerald Chukwuma a été ma toute première œuvre. J'ai eu une réaction esthétique à ce que je voyais. Puis nous avons eu une conversation. Aujourd'hui encore, les conversations l'emportent sur la réaction visuelle. Je dis que j'aime ce que je vois. J'aime ce que je ressens, mais le plus beau, c'est d'avoir cette merveilleuse réaction en discutant avec l'artiste. Tega Akpokona en est un autre exemple. J'aime les conversations. Il s'est écoulé trois ou quatre ans entre le moment où j'ai acheté une œuvre d'Oliver Okolo et le moment où je l'ai exposée. Le lien était l'artiste. Tega est dans la même situation. L'aspect visuel est aussi important que la conversation, qui est fondamentalement émouvante. De cette manière, vous apprenez à connaître les artistes, leurs influences, leurs philosophies, leur histoire, leur vie et leurs émotions. Vous apprenez ce qui les fait vibrer et comment ils se perçoivent dans le grand schéma des choses. Je pense que ces choses sont importantes. Oui, certains artistes ne peuvent pas s'exprimer verbalement, mais si vous êtes intuitif, même si un artiste n'est pas des plus éloquents, vous pouvez toujours ressentir son énergie, et c'est mon cas. Ma capacité à ressentir l'énergie est renforcée par le travail que je fais. Mais vous savez, ce n'est pas une mauvaise chose que vous puissiez sentir les artistes plus fortement que d'autres, et donc vous pouvez repérer ce qui fonctionne pour vous et ce qui ne fonctionne pas. Qu'est-ce que vous voulez soutenir ou améliorer ?
Y a-t-il dans votre collection des pièces qui attirent les gens ou sur lesquelles ils posent des questions ?
Les gens me posent toujours des questions sur Olu Ajayi. Il y a une de ses peintures dans ma cuisine. C'est probablement l'une de mes œuvres préférées. À première vue, ce n'est pas son look caractéristique, mais plus vous étudiez les traits de cette peinture, si vous êtes un connaisseur, vous verrez la force dans l'exécution. Si vous êtes encore plus observateur, vous verrez le lien entre de nombreux traits précédents d'Olu Ajayi et celui-ci. Il est rendu dans une couleur très différente. Elle est très lumineuse et très bleu-pastel, mais elle est inhabituelle et frappante. Il s'agit d'une œuvre abstraite, qui prête donc à confusion, mais qui invite aussi à l'interpréter de multiples façons.
“Eat Alone, Die Alone” de Eva Obodo and “Halo series” sculpture de Richardson Ovbiebo
Les gens adorent mon Babajide Olatunji et ont essayé de le voler (rires). Il s'agit d'une jeune fille aux yeux très perçants, issue de sa série de marques tribales. Elle témoigne de son habileté à représenter les traits les plus nuancés de la forme humaine au fusain. Il est vraiment doué.
Angela Isiuwe est une artiste qui reçoit beaucoup d'attention de ma part. Tout d'abord, c'est l'une de mes préférées. Je suis très fière du travail que j'ai accompli, non seulement à Bloom avec elle, mais aussi du fait que j'ai eu la chance de collectionner un grand nombre de ses œuvres. Je pense qu'elle est un génie. Un renégat qui va dans la direction opposée à la mienne me donne l'impression d'être cette personne. Le travail d'Angela me rappelle que je suis moi-même capable d'aller dans la direction opposée. Elle vient d'une école qui a donné naissance à certains de nos coloristes les plus importants, mais elle a conservé un ton monochrome dans son travail. Elle réalise une grande partie de son travail en moins de trois coups de pinceau. La capacité de contrôler et de ne pas ajouter, de rester simple mais puissant. En dire moins, pas plus ; en faire moins, pas plus ; rester simple. Son travail attire toujours l'attention. C'est étrange parce qu'il est tellement autonome, mais même dans un tourbillon de textures profondes, de couleurs profondes et de multimédias à usages multiples, une toile ou un papier d'Angela en noir et blanc, ou en blanc et noir, amène toujours les gens à me demander : "Qui est-ce ?" "Qui est-ce ?".
J'ai deux Gerald Chukwumas dans ma collection. Mon préféré est aujourd'hui glorieusement accroché dans les magnifiques bureaux du CSC, dans le cadre d'un partenariat que nous avons lancé et qui me permet d'accrocher des œuvres d'art pour eux avec eux. Alors qu'ils commencent leur collection, nous testons ce qu'ils aiment et ce qui peut être communicatif pour eux et leur marque. Cette œuvre est l'une de mes préférées, elle s'appelle The Coloured Road (La route colorée). Elle a été rejetée, mais j'adore les rejets. Je peux tout transformer en or. Cette pièce est la chose la plus dorée que j'aie jamais vue, et je pense que c'est l'une des meilleures pièces de Gerald de tous les temps. Qu'il soit d'accord avec moi ou non.
Sculpture de Victor Ehikhamenor et Lamidi Fakeye
Quels sont les artistes préférés de votre collection ?
Uche Chima est l'un de mes artistes préférés parce qu'il est l'un des meilleurs êtres humains. Je considère Richard Slyvia Ebu, malgré son âge, comme le plus noble. Muraina Oyelami est le plus noble des plus nobles. Vous travaillez avec un artiste et vous choisissez d'être proche de lui. Dans cette proximité, vous les découvrez, et c'est dans cette proximité que vous pouvez les honorer en racontant leurs histoires. Vous racontez à la manière d'un conservateur. Vous avez votre propre opinion, mais vous racontez leurs histoires telles que vous les avez entendues. C'est au cours de ce voyage que l'on découvre la véritable noblesse. Ces artistes me touchent. En fin de compte, quand je pense à ce qui me fait rester avec eux, oui, leurs œuvres, mais c'est vraiment l'âme des artistes pour moi, et je collectionne en fonction de cela. Si je ne peux pas entendre l'artiste, je l'invente dans mon esprit. Je l'imagine. J'assemble des éléments à partir de ce que j'ai lu et entendu, et je crée une histoire. Je n'ai jamais rencontré Ben Enwonwu, mais je n'ai pas eu le privilège de travailler à l'époque où il était en vie. Je l'ai rencontré dans le monde des esprits, dans l'imaginaire.
Après avoir vendu une trentaine de Ben Enwonwus dans ma carrière, j'ai eu le privilège de le voir passer entre mes mains, dans ma vie et dans ma conscience, mais je n'en ai jamais eu un seul. L'année dernière, j'ai réussi à économiser suffisamment pour en acheter un tout petit, et vous ne pouvez rien me dire parce que c'est le plus grand tableau du monde entier, parce que je peux maintenant participer à l'histoire et à la personnalité que j'ai imaginées et que nous savons tous qu'il représente dans le canon en général. Qu'est-ce qui se serait passé si j'avais eu la chance de prendre un thé, un café ou un verre de vin avec Ben Enwonwu et que cela m'aurait incité à devenir son collectionneur ? J'invente parce que c'est aussi ma prérogative, parce que nous sommes tous dans le monde du rêve. Vivre avec l'art, c'est opter pour une fréquence plus élevée, qui peut aider à gérer la fréquence actuelle dans laquelle vous vivez. La plupart d'entre nous ont besoin de cette évasion ; même les artistes ont besoin de cette évasion pour créer leurs œuvres. En tant que collectionneur, vous êtes de l'autre côté de la médaille par rapport à l'artiste, et vous voyagez donc vous aussi. Que j'aie eu des conversations réelles ou que je les aie imaginées, cela me suffit. C'est suffisant pour influencer la raison pour laquelle un objet est accroché au mur et à quel endroit.
Lorsque vous considérez une œuvre d'art et l'artiste qui l'a créée pour votre collection, quelles sont les qualités ou les éléments spécifiques que vous recherchez ?
À l'heure actuelle, je recherche davantage l'émerveillement. Je recherche un art extrêmement neutre ou extrêmement destructeur. Je suis à un moment de ma vie où je ne veux pas de neutralité. Je ne veux rien qui ne soit pas choquant, et il y a deux façons de choquer. Elle peut vous envoyer dans un lieu de pure tranquillité ou dans un lieu de pure excitation et d'émerveillement, et même le contraire de l'excitation et de l'émerveillement, c'est la tranquillité. C'est la situation dans laquelle je me trouve actuellement. Vous collectionnez en conséquence. La collection est une affaire personnelle. Ce que j'ai collectionné à 30, 35 ou 40 ans et ce que je collectionnerai à 60 ans sera différent, du moins je l'espère. Voilà où j'en suis aujourd'hui.
J'ai également pu créer une infrastructure qui me permet de tout montrer, ce qui explique que ma maison ressemble davantage à une toile vierge. Mon ancienne maison était le contraire d'une toile vierge, et l'art devait s'intégrer un peu plus. Maintenant, je suis libre. J'ai placé la quarantaine en toute liberté, la liberté dans mes goûts et le courage de justifier tout ce que je veux et que j'aime. Tout ce que j'ai à ressentir, c'est de l'amour. Visuellement, les images se conforment. Je recherche l'amour pur et l'émerveillement dans l'art, aujourd'hui plus que jamais, en raison de ma situation personnelle.
Oeuvres de Barrios, Babajide Olatunji, Victor Ehikhamenor, Lamidi Fakeye et KEYEZUA.
Pouvez-vous souligner les changements notables que vous avez observés sur la scène artistique africaine depuis que vous collectionnez des œuvres d'art ?
Il est difficile de répondre à cette question tant le monde est vaste, mais j'ai remarqué que, comme toute chose nouvelle, elle commence par un peu de battage médiatique, et les gens réagissent beaucoup à ce battage, presque comme une mentalité de troupeau de bien faire, et nous essayons tous de revenir à nos fondamentaux. Au début de ce cycle artistique, le ton était au portrait, puis il s'est transformé en une prise de conscience de certaines des atrocités auxquelles nous avons été confrontés avec le régime militaire, le pouvoir collectif et l'orientation politique, puis nous sommes passés à une orientation de célébration avec la démocratie et la croissance économique, beaucoup plus festive, "flenjor". Je pense que nous venons de sortir d'une période où l'art en tant qu'investissement nous a pris d'assaut. Ce qui arrive avec de telles conversations, c'est qu'elles se terminent et que nous devons revenir à l'essentiel.
L'amour, la compulsion et les caractéristiques financières d'une œuvre ou du parcours d'un artiste peuvent être présents ou non. Nous avons ensuite parlé de retours et de vagues fiscales, mais il faut toujours se demander ce que je ressens pour l'œuvre. J'ai vu ces tendances, comme l'art en tant qu'expression politique et activiste et l'art en tant qu'expression de célébration, et maintenant il s'agit d'une conversation de participation internationale parce que le monde a également découvert la nôtre. En raison de la conversation sur l'expression internationale, je pense que nous avons aussi, ces derniers temps, après le manège des investissements, commencé à aimer les choses d'une manière plus intense que l'Occident. En ce qui concerne la figuration, bien sûr, nous aimons les figurations parce que nous avons toujours fait des portraits de nous-mêmes, comme dans les sculptures, les gravures, les meubles, les estampes, les coiffures et la nourriture. Tout ce qui nous concerne est en pointillé. C'est très bien. La légère exagération survient lorsque le reste du monde nous découvre, et c'est là que nous nous trouvons maintenant et que nous sommes peut-être en train de laisser derrière nous. L'exagération s'accompagne de moqueries. Nous n'avons rien à prouver.
Comment la collection d'art a-t-elle influencé le reste de votre vie et de votre carrière ?
Il est impossible de ne pas mentionner l'influence de mon travail et de la manière dont je recherche l'art et les artistes. Cela influence ma façon de collectionner, car je le fais en fonction de la façon dont j'expose. Ma politique a toujours été d'acheter en dernier. En tant que galeriste, conservateur et collectionneur, vous pouvez faire des achats, mais vous ne pouvez pas être le premier à acheter. C'est un peu comme se droguer à l'offre, ce qu'il ne faut pas faire, comme nous l'a appris Notorious BIG (rires). Cependant, une chose que j'ai découverte et que j'aime dans l'esprit et la spiritualité de l'art, c'est que chaque pièce a son propriétaire. Même en choisissant la dernière, je n'ai jamais acheté la dernière œuvre d'une exposition ; ce n'était pas l'œuvre que je voulais dès le départ. Lorsqu'il s'agit d'une exposition, les points de vue de l'artiste et du commissaire sont tout aussi valables l'un que l'autre. Si un conservateur prend au sérieux sa responsabilité de porte-parole, de gardien ou de couverture d'un artiste, il faut lui faire confiance. Je pense qu'il est important que de multiples facettes soient explorées et vues. Pendant des décennies, on a écrit que les artistes commençaient dans un style et finissaient dans un autre. Picasso a commencé sa carrière dans la figuration et l'a pratiquement terminée dans l'abstraction. La même vie et le même esprit en évolution. Qu'est-ce qui est plus valable que l'autre ? Vous ne pouvez pas vraiment répondre à cette question.
Oeuvres de Niyi Olagunju, Lucinda Mudge, Julius Agbaje et Funke Oladimeji
Qu'est-ce qui vous plaît le plus dans le fait d'être collectionneur ?
Ce que je préfère, c'est que j'ai l'impression d'avoir le meilleur des deux mondes. J'ai l'occasion de voir de belles choses à chaque coin de rue. J'ai également l'impression de vivre avec le charme et l'esprit des artistes que j'aime. En regardant la beauté, je recueille aussi toute la joie, l'énergie, la bonne volonté et les intentions des artistes qui ont réalisé les œuvres. La troisième partie, qui correspond sans doute à l'enseignant qui est en moi, est que j'aime la façon dont l'art que je possède fait ressentir aux autres. J'aime que ce que je possède permette à d'autres personnes de croire qu'il existe des possibilités et de ressentir les possibilités de l'espace et de l'esthétique. J'aime tout simplement la réaction des autres. Je n'ai pas l'impression d'avoir fait quelque chose de spécial ; je me sens obligée ; j'ai été joyeuse ; et je me considère chanceuse que ce que j'ai construit ait un tel effet sur les artistes et les profanes. Cela rend les gens curieux. De la même manière que l'art que j'ai collectionné et ma propre histoire de collectionneur inspirent d'autres personnes. Eux aussi peuvent acheter une peinture. Eux aussi peuvent vivre dans un espace où l'art est fréquent, par opposition aux meubles seuls, comme nous en avons tous l'habitude ou comme nous avons grandi.
Pourquoi les gens devraient-ils envisager de collectionner des œuvres d'art locales et comment leur recommandez-vous de le faire ?
La charité commence à la maison. Je le répète souvent. Nous déléguons souvent à d'autres le soin d'apporter de la valeur. Nous oublions que c'est nous qui apportons le plus de valeur à quoi que ce soit. Nous devons collectionner les œuvres d'art locales pour que l'art local en vaille la peine. Avant que le monde ne décide que nous sommes grands, nous devons convenir que nous sommes grands. Comment s'accorder sur ce point ? En votant avec son portefeuille. Les Nigérians doivent acheter des Nigérians pour élever le Nigeria, pour réduire la dépendance au dollar afin que le taux de change puisse peut-être s'inverser ou se réguler quelque peu, pour que l'économie locale et les emplois locaux puissent prospérer, et pour que les gens puissent avoir des perspectives d'avenir et un revenu disponible plus important. Lorsque le revenu disponible est plus élevé, leur cerveau peut s'ouvrir à l'art, car à l'heure actuelle, il est impossible d'entendre parler d'art si l'on essaie simplement d'acheter de l'essence. Il s'agit d'un effet de ruissellement, et c'est tellement simple. Il est navrant que notre gouvernement ne puisse pas simplifier ce code. Ce n'est que lorsque vous investissez en vous-même que les gens commencent à investir en vous. Si vous faites en sorte que les choses aient l'air bien, les gens investiront dans ces choses. Si un plus grand nombre de collectionneurs achètent des produits locaux, au moment où ils ont des conversations dans leur pays et à l'étranger sur ce qu'ils aiment, l'amour devient contagieux. Le collectionneur doit s'investir dans ce voyage, car c'est ce qu'il endosse en tant que collectionneur, c'est ce qui s'apprécie. Le collectionneur est aussi précieux que sa collection.